Ethically beautiful

(EN). Camilla Carrara is not even 30 years old, but she already has very clear ideas. In 2016 She founded 0/100, her eco-luxury fashion brand. Where “Zero” means reducing waste, pollution and emissions to the lowest terms, “One Hundred” to indicate not only a product 100% Made in Italy, but also completely sustainable and traceable.

Regenerated fabrics and the innovative “zero-waste” technique, an approach that is already being designed to minimize the waste on fabric pieces, confer to Camilla the prestigious Recycling Design Preis award promoted by the Martha Herford Museum in collaboration with Sparkasse. Further recognition by Manufactum and Messe Frankfurt offers the opportunity to show the collection during the Berlin Fashion Week, in the section dedicated to sustainable fashion.

A fall/winter outfit

From there it is an escalation of successes, Camilla does not mistaken a collection. Also in 2016 comes the invitation to participate in the Oscedays in Berlin, a kind of general states of the circular economy, and is among the 28 finalists of the contest Mad Mood, an event dedicated to the combination of fashion and food. Starting from the poor elements of Mediterranean cuisine, the fashion designer creates a dress inspired by the overlapping layers of the onions.

In October 2016, Camilla’s passion for fashion arrives to the far north of Europe, so much so that the history of her brand becomes a case study during the seminar “Facing the Fashion Paradigm Shift – The Relevance of Sustainability” promoted from the Swedish Embassy in Berlin and sponsored by Queen Sylvia of Sweden. In November of that year she took part in the Budapest Fashion Week, the main event of the sector in Hungary.

A slow and constant growth that also gives Camilla a stake in the Berlin Fashion Film Festival, with a documentary film inspired by her history, several appearances on the Italian media and a discussion on the future of fashion promoted by SDA Bocconi.

Great sensitivity to the environment, an ethical approach to work and a great talent allow Camilla to create extremely contemporary clothes that have nothing to envy to those of known brands. The silhouette of outerwear and dresses drapes soft around the body, the games of pleats and overlays allow to contain the maxi-volumes and geometric shapes of clear oriental inspiration.

Beige, grey and blue are the predominant tones in the 2018 winter collection, but a careful glance will not escape the brushstrokes of color, blue, red and green, which give character to the garments. The trousers fall fluid, the high belts mark the waist while large necks and kimono sleeves make the rigour of the models more feminine. A tribute to Japanese culture reinterpreted in a Western key.

www.zerobarracento.com

@zerobarracento

CHATTING WITH CAMILLA

Where does your passion for fashion come from?
I think that this passion has always been inside me, since when I was a child I stole the clothes of mom or I created new ones using small pieces of fabric. In the university years I studied fashion design at the Polytechnic and then I deepened the sustainability in the Master’s degree from Esmod in Berlin in 2015. A fundamental year spent in Germany, a training course at 360 degrees that, alongside the theoretical notions, has also foreseen a lot of practice and comparison with the market.

Why did you feel the need to create your own brand?
Initially this was not in the plans, I thought I was working in a brand as a designer, but then I realized that I could offer something different. In Berlin I learned and then personalized the zero-waste design, strictly without waste of fabric. The pieces created using patterns with zero-waste design are manually adapted to the manikin, intervening with folds, pleats and stretching without cutting until obtaining the ideal fit. The model is inserted in digital only later. Creativity is modulating around the goal of not generating scraps of fabric in a process that, far from being limiting, becomes rather stimulating.

Do you do everything yourself or do you have a team that supports you?
Currently it is me and my sister, plus some external collaborators to project.

Is there any stylist who has influenced your style?
The designers that inspired me are Armani, Isabel Marant and Thayaht.

Let’s talk some of the winter collection. What are you inspired by?
For Autumn-Winter 2018/19, Zerobarracento proposes a contemporary and sophisticated collection, conceived for a dynamic and modern woman. The color palette ranges from grey to beige, to blue, but there are notes of colour, especially blues, reds and greens. The shapes alternate soft lines, created by the same fabrics, to other geometric ones that embrace the figure and the feminine shapes in a skilful game of pleats, lacing and folds. The game of contrasts continues also on the side of inspiration: a contemporary allure meets elements of the Japanese tradition. Also for this season I chose the technique of “zerowaste”, thanks to which the patterns are developed to go to use the whole fabric. On the side of sustainability, on the other hand, the attention is on the materials, completely traceable and always distinctive mark of the brand.

Is there a piece that represents you the most?
Each piece has its uniqueness and, in my opinion, a raison d’être. But my passion is coats and outerwear in general. A garment that is in my opinion the key to the wardrobe.

If I had to recommend a Zerobarracento outfit to the readers, which match would you choose?
One of our oversized coats in very hot wool matched to a mini and top in Jacquard by Newlife ™.

Where can I find your models for sale?
Currently online on our site and in events here in Milan, last November 11 we were at Chez Babette, and we are organizing other dates in late November and December.

Plans for the future?
Going ahead with the research of materials and open an atelier in Milan, with the possibility of customizing garments.

Milan, New York, London or Paris… On which walkway would you like to parade?
Of instinct I would say Paris, but for DNA push on Made in Italy, then I would choose Milan. The enhancement of the fashion chain is for me priority.

 

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(IT). Camilla Carrara non ha nemmeno 30 anni, ma ha già le idee molto chiare. Nel 2016 fonda 0/100, il suo brand di moda eco-luxury. Dove Zero sta per ridurre rifiuti, inquinamento ed emissioni ai minimi termini, Cento per indicare non solo un prodotto 100% Made in Italy, ma anche completamente sostenibile e tracciabile.

Tessuti rigenerati e l’innovativa tecnica “zero-waste”, un approccio che già in fase di progettazione consente di ridurre al minimo gli scarti sulle pezze di tessuto, valgono a Camilla il prestigioso premio Recycling Design Preis promosso dal Martha Herford Museum in collaborazione con Sparkasse. Un’ulteriore riconoscimento da parte di Manufactum and Messe Frankfurt le offre la possibilità di sfilare durante la Berlin Fashion Week, nella sezione dedicata alla moda sostenibile.

Da lì è un’escalation di successi, Camilla non sbaglia una collezione. Sempre nel 2016 arriva l’invito a partecipare agli OSCEdays a Berlino, una sorta di Stati Generali dell’economia circolare, ed è tra i 28 finalisti del contest Mad Mood, un evento dedicato al connubio moda e cibo. Partendo dagli elementi poveri della cucina mediterranea, la stilista crea un abito ispirato alle sovrapposizioni di strati delle cipolle.

Nell’Ottobre del 2016 la passione di Camilla per la moda arriva sino nell’estremo nord dell’Europa, tanto che la storia del suo marchio diventa un case study nel corso del seminario “Facing the Fashion Paradigm Shift – The Relevance of Sustainability” promosso dall’ambasciata svedese a Berlino e patrocinato dalla Regina Sylvia di Svezia. Nel Novembre dello stesso anno prende parte alla Budapest Fashion Week, il principale evento del settore in Ungheria.

Una crescita lenta e costante che regala a Camilla anche una partecipazione al Berlin Fashion Film Festival, con un docufilm ispirato alla sua storia, diverse apparizioni sui media italiani e un intervento alla tavola rotonda sul futuro della moda promossa da SDA Bocconi.

Grande sensibilità per l’ambiente, un approccio etico al lavoro e un grande talento consentono a Camilla di creare abiti estremamente contemporanei, che nulla hanno da invidiare a quelli di marchi conosciuti. Le silhouette di capispalla e abiti si drappeggiano  morbide intorno al corpo, i giochi di plissettature e sovrapposizioni permettono di contenere i volumi over e le forme geometriche di chiara ispirazione orientale.

Beige, grigi e blu sono i toni predominanti nella collezione invernale 2018, tuttavia a uno sguardo attento non potranno sfuggire le pennellate di colore, azzurre, rosse e verdi, che regalano carattere ai capi. I pantaloni cadono fluidi, le cinture alte segnano il punto vita mentre grandi colli e maniche a kimono rendono più femminile il rigore dei modelli. Un omaggio alla cultura giapponese reinterpretata in chiave occidentale.

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PARLANDO CON CAMILLA

 Da dove nasce la tua passione per la moda?

Penso che questa passione sia sempre stata dentro di me, fin da quando da bambina rubavo i vestiti di mamma o ne creavo di nuovi usando pezzettini di tessuto. Negli anni universitari ho studiato moda e fashion design al Politecnico e poi ho approfondito la sostenibilità nel Master conseguito alla Esmod di Berlino nel 2015. Un anno fondamentale quello trascorso in Germania, un percorso formativo a 360 gradi che, accanto alle nozioni teoriche, ha previsto anche tanta pratica e il confronto con il mercato.

Perché hai sentito l’esigenza di creare un tuo marchio?

Inizialmente questo non era nei piani, pensavo di lavorare in un marchio come designer, ma poi mi sono resa conto di poter offrire qualcosa di diverso. A Berlino ha imparato e poi personalizzato la progettazione zero-waste, rigorosamente senza spreco di tessuto. I pezzi creati utilizzando cartamodelli con design zero-waste sono adattati manualmente al manichino, intervenendo con pieghe, plissettature e stirature senza operare tagli fino ad ottenere la vestibilità ideale. Il modello viene inserito in digitale solo in seguito. La creatività si modula intorno all’obiettivo di non generare avanzi di tessuto in un processo che, lungi dall’essere limitante, diventa invece molto stimolante.

Fai tutto da sola o hai un team che ti supporta?

Attualmente siamo io e mia sorella, più alcuni collaboratori esterni a progetto.

C’è qualche stilista che ha influenzato il tuo stile?

Gli stilisti che più mi hanno ispirata sono Armani, Isabel Marant e Thayaht.

Parliamo un po’ della collezione invernale. A cosa ti sei ispirata?

Per l’autunno inverno 2018/19, Zerobarracento propone una collezione contemporanea e sofisticata, pensata per una donna dinamica e moderna. La palette cromatica spazia dai grigi ai beige, fino al blu, ma non mancano note di colore, soprattutto azzurri, rossi e verdi. Le forme alternano linee morbide, create dagli stessi tessuti, ad altre geometriche che abbracciano la figura e le forme femminili in un sapiente gioco di plissettature, allacciature e pieghe. Il gioco di contrasti continua anche sul versante dell’ispirazione: un’allure contemporanea incontra elementi della tradizione nipponica. Anche per questa stagione ho scelto la tecnica dello “zerowaste”, grazie alla quale i cartamodelli sono sviluppati per andare ad utilizzare interamente il  tessuto. Sul versante della sostenibilità, invece, l’attenzione è sui materiali, completamente tracciabili e da sempre tratto distintivo del marchio.

C’è un pezzo che ti rappresenta maggiormente?

Ogni pezzo ha la sua unicità e, a mio avviso, una ragion d’essere. Ma la mia passione sono i cappotti e i capispalla in generale. Un capo che è a mio avviso la chiave del guardaroba.

Se dovessi consigliare un outfit Zerobarracento ai lettori, quale abbinamento sceglieresti?

Uno dei nostri cappotti oversize in caldissima lana abbianato ad una mini e top in jacquard di Newlife™.

Dove è possibile trovare in vendita i tuoi modelli?

Attualmente online sul nostro sito ed in eventi qui a Milano, lo scorso 11 Novembre eravamo a Chez Babette, e stiamo organizzando altre date a fine Novembre e Dicembre.

Progetti per il futuro?

Continuare la ricerca a livello materiale ed aprire un’atelier a Milano, con possibilità di personalizzazione dei capi.

Milano, New York, Londra o Parigi… Su quale passerella ti piacerebbe sfilare?

D’istinto direi Parigi, ma per DNA spingo sul Made in Italy, quindi sceglierei Milano. La valorizzazione della filiera moda è per me prioritaria.

IT’S MILLY: Hot Christmas gifts

(EN). There are people who enter your life on tiptoe, and then stay there forever. My meeting with Milena, soul of the brand It’s Milly, was completely fortuitous, one Sunday in September during a market of neighborhood. I was not there to buy nor to poke around, mine was just a touch and escape to talk about work.

What struck me about Milena’s corner, apart from the colors, was the unusual, almost picturesque way of mixing them together. My deeply baroque soul could not but be struck by that potpourri of styles and inspirations only seemingly distant from each other. There was in that ensemble of elements, which at first glance could appear bizarre and impossible to carry, a poetic vein.

Milena, It’s Milly founder

Milena, in fact, designs and creates turbants and fascinators. But not those classic and even a bit boring models that you can find anywhere, its seem to come out of a novel by L. Frank Baum or Carroll. There is the visor with the eyes and the pailettes, the band with Peonies and the robin, the turban with the feathers and diamonds of the Maraja and so on. An enchanted world where it is completely normal to wear overhead, with a certain nonchalance, a bunch of currants and large bows of French silk.

Milena’s exuberant creativity is contagious even when she talks about the illness that hit her in 2014, at the height of her career in the fashion world. The diagnosis that follows a routine check-up is those that freeze the blood: breast cancer. Milena begins the tiring path of chemio, loses weight and even the hair.

A turban

An experience that would sap anyone, but she reacts. She lifts the veil of sorrow and fear and, from desperation, she pulls the energy to be reborn. The same energy that will put in her accessories. She swears that the disease will not take away her love for life and beauty, she refuses to wear wigs and scarves and begins to create bizarre hats with which to hide the signs of therapy.

Wearing her models she runs on the street, goes to the supermarket, visits exhibitions, participates in events. She leaves the house always perfectly tidy, made-up and well dressed, even in the hardest moments. The people who meet first dismayed, then intrigued think of her as an eccentric artist, singer or actress sui generis, but never a woman in the fight against cancer.

Milena is usual to repeat that life changes according to the point of view from which you look at it and that the contingencies, often, can become occasions. Without the pain of the disease now there wouldn’t be her line of hats, models that come to life from her inspiration but also from the ideas and requests of clients, who begin a little hesitant and then end up giving free rein to their imagination.

Every piece, whether it’s a day-time model or a special occasion, can be tailored to suit your needs. A Christmas present certainly different and unique, which will satisfy even the most insatiable person.

@its_milly_mi

https://www.facebook.com/itsmilly/

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(IT). Ci sono persone che entrano nella tua vita in punta di piedi, per poi rimanerci per sempre. Il mio incontro con Milena, anima del brand It’s Milly, è stato del tutto fortuito, una domenica di Settembre in occasione di un Market di quartiere. Non ero lì per comprare e nemmeno per curiosare, la mia era solo una toccata e fuga per parlare di lavoro.

Quello che mi ha colpito del corner di Milena, a parte i colori, è stato il modo insolito, quasi pittoresco, di mescolarli insieme. La mia anima profondamente Barocca non poteva non rimanere colpita da quel potpourri di stili e ispirazioni solo apparentemente distanti l’uno dall’altro. C’era in quell’ensamble di elementi, che a prima vista poteva apparire bizzarro e impossibile da portare, una vena poetica.

Milena, infatti, disegna e crea turbanti e Fascinators. Ma non quei modelli classici e anche un po’ noiosi che si possono trovare un ovunque, i suoi sembrano usciti da un romanzo di L. Frank Baum o di Carroll. C’è la visiera con gli occhi e le pailettes, la fascia con le peonie e il pettirosso, il turbante con le piume e i diamanti del Maraja e così via. Un mondo incantato dove è del tutto normale portare in testa, con una certa nonchalance, un grappolo di Ribes e grandi fiocchi di seta francese.

L’esuberante creatività di Milena è contagiosa anche quando parla della malattia che l’ha colpita nel 2014, all’apice della sua carriera nel mondo della moda. La diagnosi che segue a un controllo di routine è di quelle che gelano il sangue: tumore al seno. Milena inizia il faticoso percorso della chemio, perde peso e anche i capelli.

Un’esperienza che fiaccherebbe chiunque, ma lei reagisce. Solleva il velo di dolore e paura e, proprio dalla disperazione, ricava l’energia per rinascere. La stessa energia che metterà nei suoi accessori. Giura che la malattia non le porterà via l’amore per la vita e per il bello, si rifiuta di indossare parrucche e foulard e comincia a creare copricapi bizzarri con i quali nascondere i segni della terapia.

Indossando i suoi modelli gira per strada, va al supermercato, visita mostre, partecipa ad eventi. Esce di casa sempre perfettamente in ordine, truccata e ben vestita, anche nei momenti più duri. Le persone che incontra strabuzzano gli occhi, prima sbigottite poi incuriosite pensano a lei come ad un’artista eccentrica, una cantante o un’attrice sui generis, ma mai a una donna in lotta contro il cancro.

Milena è solita ripetere che la vita cambia in base al punto di vista da cui la guardi e che gli imprevisti, spesso, possono diventare delle occasioni. Senza il dolore della malattia ora non esisterebbe la sua linea di cappelli, modelli che prendono vita dal suo estro ma anche dalle idee e dalle richieste delle clienti, che partono un po’ titubanti e poi finiscono per dare libero sfogo alla loro fantasia.

Ogni copricapo, che si tratti di una proposta da giorno oppure per un’occasione speciale, infatti può essere personalizzato in base alle proprie esigenze. Un regalo di Natale sicuramente diverso e unico, che non potrà non soddisfare anche la persona più incontentabile.

@its_milly_mi

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Market, what a passion!

(EN). They are a well-established practice in Anglo-Saxon countries and have been peeping in Italy for a few years. The market is the new frontier of niche shopping. Milan, which has always been the driving center for new trends, has been an open track.

Chez Babette Garage Sales is one of the most awaited appointment from all the fashion addict in the city. It opened its doors in 2015, on the idea of Francesca Ferrante, a meticulous organiser of the event.

Francesca is an aspiring lawyer with a decidedly glamorous soul, fashion is for her a choice of life more than a simple passion. It is not uncommon to see her discussing causes and training in the art of oratory dressed in a Prada jacket and a vintage ring from YSL.

Passionate about travel, as well as style, she visited several markets around Europe and the United States before deciding to organize one of her own. In this adventure between designer clothes and jewellery has involved all the family, dog and boyfriend including.

Confiscated the family garage, fully functional and with a taste of yesteryear, walls and ceilings are in fact carpeted with posters and trinkets inspired by the America of the Sixties, one Sunday a month she prepares spaces and stands that will host the various exhibitors with their collections of vintage, second-hand and handmade clothing and accessories.

The idea, she confesses us, is that of re-use, give a second chance to garments that would be thrown, but also to spread a greater awareness on the issues of sustainability and zero waste for a sector, that of fashion, among the most polluting.

Finding unique pieces and garments photographed on the most famous magazines is easy, here in fact come not only small producers, but also bloggers and fashion editors who open their cabinets to visitors.

With a bit of effort and a lot of commitment the market is getting to know slowly. In just under three years from a small neighbourhood phenomenon has become increasingly international, it is not uncommon to meet curious tourists wandering among the racks, especially Chinese. But it is also an opportunity to involve young people and families in the area that, during the event, can reclaim the suburbs and taste some of the sparkle of the windows of the city center.

@chezbabettegaragesale

Chez Babette Garage Sale

TALKING WITH FRANCESCA…

Hello Francesca, talk to me a little about you…

I am Francesca, class 1990 and I was born and raised in Milan. They are half Sicilian (on the part of Father) and for 1/4 Veneta (by mother). I am very fond of music years ‘ 70 and ‘ 80 that marks the time of my days: Gloria Gaynor gives me more charge than a liter of coffee. I am proud owner of Penelope, a small, all-pepper fawn cocker (the temperament is family) and hyperactive. Swimming to exhaustion: it is the only sport that I can practice consistently even if tennis is and remains my first love. I have a pours obsession with vintage jewellery: In my collection they are all gold-coloured and very vistosissimi.

Where did the idea of the market Chez Babette come from?

On various trips to NY and London I came into contact with their market and second hand concepts. In Those countries are welcomed with a lot of enthusiasm, which has inevitably infected me. I wanted to repropose that formula here at home especially because I was looking for a convenient and immediate way to sell those garments that drag season after season in the closet. That’s how I gained the idea of Chez Babette Garage Sale.

Have you found many difficulties in developing such an activity in a conservative country like Italy?

The fact of finding myself in a city like Milan has undeniably played in my favor. I certainly found a good opening and some enthusiasm. I can not deny however that the “second-hand” in Italy still creates some perplexity. On the other hand I have not yet seen anyone resist in front of a branded garment at a low price.

Why did you choose a garage as a location?

Because I play in the house! The market is held in the garage of my father who with so much love borrows it to me once a month. The care of the place passes through him: both for the furnishing (collect everything) and for the cleaning and the order. In the absence of these requirements it would have been impossible to organise such an event.

What types of products can be found for sale?

I wanted to make the exclusive object of the event clothing and accessories, which can be second-hand, vintage or handmade. The selection allows me to offer to the visitors always the best that is proposed to me. I would also like to see that exhibitors are always different because different products have to be the goods that visitors find at each edition. The only thing I press remains constant is the quality offered.

Can you give us some advice on what to buy and what to pay attention to make a real “bargain”?

In the vintage selection and second hand board to buy the garments for the materials: for example you can find golf 100% cashmere or wool at prices typical of fast fashion (which now uses more and more materials of little value). In the hand made selection I always recommend buying at least one garment that will enrich your wardrobe with something unique and that everyone will then ask for the provenance. To make a deal is essential to arm yourself with patience. Slide dress for dress in all the spaces of the various exhibitors. Very often the “gem” hides and is lost if you have too much hast.

What’s your relationship with fashion?

Fashion is my super power (as I think of many other women): I use it to enhance my strengths by having fun with colors and shapes. Important to do this is to remain objective: if something does not make me beautiful I don’t buy it, even if I like to die.

How do you see Chez Babette in five years?

Chez Babette is for me as a son: as every parent I wish it to grow sturdy and stable and that is distinguished by its uniqueness. I’d like to become an appointment that no “Milanese” can give up.

Where do you see yourself in five years?

The prognosis of the future is not one of my strongest skill! Surely I will remain in Milan to work once completed the studies of law (my imprisonment is almost finished!)  Abroad is so beautiful, but the only house I want to have is Italy and in particular Milan. These are for me two stationary points.

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(IT). Sono una prassi consolidata nei paesi anglosassoni e da qualche anno hanno fatto capolino anche in Italia. I market sono la nuova frontiera dello shopping di nicchia. Milano, da sempre centro propulsore di nuove tendenze, ha fatto da apripista.

Chez Babette Garage Sales è uno degli appuntamenti più attesi da tutte le fashion-addict della città. Apre i battenti nel 2015, su idea di Francesca Ferrante, organizzatrice meticolosa dell’evento.

Francesca è un’aspirante avvocato con un’anima decisamente glamour, la moda è per lei una scelta di vita più che una semplice passione. Non è raro infatti vederla discutere cause e allenarsi nell’arte oratoria vestita con una giacca Prada e un anello vintage di YSL.

Appassionata di viaggi, oltre che di stile, ha visitato diversi market in giro per l’Europa e gli Stati Uniti prima di decidere di organizzarne uno tutto suo. In questa avventura tra abiti griffati e gioielli ha coinvolto un po’ tutta la famiglia, cane e fidanzato compresi.

Requisita l’officina di famiglia, perfettamente funzionante e dal sapore d’antan, pareti e soffitti sono infatti tappezzati da poster e ninnoli ispirati all’America degli anni Sessanta, una domenica al mese predispone spazi e stand che ospiteranno i vari espositori con le loro collezioni di abbigliamento e accessori vintage, second-hand e handmade.

L’ottica, ci confessa, è quella del riuso, dare una seconda chance a capi che verrebbero gettati, ma anche quella di diffondere una maggiore consapevolezza sui temi della sostenibilità e del zero waste per un settore, quello della moda, tra i più inquinanti.

Trovare pezzi unici e modelli fotografati sui magazine più famosi è scontato, qui infatti vengono non solo piccoli produttori, ma anche blogger e fashion editor che aprono ai visitatori i loro armadi.

Con un po’ di fatica e tanto impegno il market si sta facendo conoscere piano piano. In poco meno di tre anni da piccolo fenomeno di quartiere è diventato via via sempre più internazionale, non è raro infatti incontrare turisti curiosi aggirarsi tra le relle, cinesi in testa. Ma è anche un’occasione per coinvolgere i giovani e le famiglie della zona che, in occasione dell’evento,  possono riappropriarsi della periferia e assaporare un po’dello sfavillio delle vetrine del centro.

@chezbabettegaragesale

Chez Babette Garage Sale

 

QUATTRO CHIACCHIERE CON FRANCESCA…

Ciao Francesca, parlami un po’ di te…

Sono Francesca, classe 1990 e sono nata e cresciuta a Milano. Sono per metà siciliana (da parte di padre) e per 1/4 veneta (da parte di madre). Sono appassionatissima di musica anni ‘70 e ‘80 che scandisce il tempo delle mie giornate: Gloria Gaynor mi dà più carica di un litro di caffè. Sono orgogliosa proprietaria di Penelope, un piccolo cocker fulvo tutto pepe (il temperamento è di famiglia) e iperattivo. Nuoto allo sfinimento: è l’unico sport che riesco a praticare con costanza anche se il tennis è e rimane il mio primo amore. Ho una versa ossessione per i gioielli vintage: nella mia collezione sono tutti color oro e vistosissimi.

Da dove nasce l’idea del market Chez Babette?

Nei vari viaggi a NY e a Londra sono venuta a contatto con i loro concetti di market e second hand. In quei paesi vengono accolti con moltissimo entusiasmo, cosa che mi ha inevitabilmente contagiata. Volevo riproporre quella formula qui a casa soprattutto perché cercavo una via comoda ed immediata per vendere quei capi che si trascinano stagione dopo stagione nell’armadio. È così che ho maturato l’idea di Chez Babette Garage Sale.

Hai trovato molte difficoltà nello sviluppare un’attività di questo tipo in un paese conservatore come l’Italia?

Il fatto di trovarmi in una città come Milano ha innegabilmente giocato a mio favore. Ho trovato sicuramente una buona apertura e un certo entusiasmo. Non posso negare tuttavia che l’usato in Italia crea ancora qualche perplessità. D’altra parte non ho ancora visto nessuno resistere davanti ad un capo firmato a poco prezzo.

Perché hai scelto come location un’autofficina?

Perché gioco in casa! Il market si svolge nell’Autofficina di mio padre che con tanto amore me la presta di regola una volta al mese. La cura del posto passa attraverso lui: sia per l’arredamento (colleziona qualsiasi cosa) sia per la pulizia e l’ordine. In assenza di questi requisiti sarebbe stato impossibile organizzarvi un evento di questo genere.

Quali tipi di prodotti si possono trovare in vendita?

Ho voluto rendere oggetto esclusivo dell’evento l’abbigliamento e gli accessori, che possono essere second-hand, vintage oppure handmade. La selezione mi permette di offrire ai visitatori sempre il meglio che mi viene proposto. Ci tengo inoltre che gli espositori siano sempre diversi perché diversi devono essere i prodotti che i visitatori trovano ad ogni edizione. L’unica cosa che mi preme resti costante è la qualità offerta.

Puoi darci qualche consiglio su cosa acquistare e a cosa prestare attenzione per realizzare un vero “affare”?

Nella selezione vintage e second hand consiglio di acquistare i capi per i materiali: per esempio puoi trovare golf 100% cachemire o lana a prezzi tipici del fast fashion (che ormai utilizza sempre di più materiali di poco pregio). Nella selezione hand made consiglio sempre di acquistare almeno un capo che arricchirà il proprio guardaroba di qualcosa di unico e  del quale tutti poi chiederanno la provenienza. Per fare un affare è fondamentale armarsi di pazienza. Scorrere vestito per vestito in tutti gli spazi dei vari espositori. Molto spesso la “chicca” si nasconde e la si perde se si ha troppa fretta!

Che rapporto hai con la moda?

La moda è il mio super potere (come penso di tante altre donne): la uso per valorizzare i miei punti di forza divertendomi con colori e forme. Importante per fare questo è rimanere oggettiva: se una cosa non mi dona non l’acquisto anche se mi piace da morire.

Come vedi Chez Babette tra cinque anni?

Chez Babette è per me come un figlio: come ogni genitore desidero che cresca robusto e stabile e che si distingua per la sua unicità. Mi piacerebbe divenisse un appuntamento a cui nessun milanese possa rinunciare.

E tu dove ti vedi tra cinque anni?

La prognosi del futuro non è il mio forte in assoluto, ma sopratutto su di me! Sicuramente rimarrò a Milano a lavorare una volta conclusi gli studi di Giurisprudenza (la mia prigionia è quasi terminata!)  L’estero è tanto bello, ma l’unica casa che voglio avere è l’Italia e in particolare Milano. Questi sono per me due punti fermi.

MòKIKA: Hot Christmas gifts

(EN). Monica Zucchelli is one of those rare people in which they manage to coexist, in harmony, passions and interests very different from each other. Monica was born as an Interior Designer, with a professional studio in Lodi and in Bejing, China. Her research on color and expressive forms developed first in interior design and later in the creation of furnishing components. Her large decorative panels, in fact, have customized not only prestigious private residences, but also many public places and museums.

A MòKIKA tee

By her own admission, the inspiration for the graphic traits that characterize her work come from the landscape and the surrounding architecture. It is not unusual that a palace like the Teatro La Scala in Milan and its square become, in the drawings of Monica, a metaphor to tell the gaze of a woman or that of stylized silhouettes end up resembling a charming little hat.

But it is in fashion that Monica expresses her creativity to the fullest. Transported from metal to fabric its sketches have come to life in the brand Mòkika, which since some season proposes a collection of T-shirts, on demand clothes and small accessories with very democratic prices. In fact, just over 20 euro, 35 for T-shirts, is enough to show off a bubble pendant with matching earrings and a stylish face inside.

Monica at work

A MòKIKA outfit

My greatest difficulty with Christmas presents is to be able to personalize the gift, so that it meets the tastes and style of the person to whom it is destined. A non-secondary detail if we reflect on how many unwelcome purchases end, every year, at the bottom of the closet.

The line of T-shirt 100% cotton made by Monica is not only nice, original and irreverent, three qualities very desirable in a hypothetical list of desires, but offers, at a low cost, also a large number of models to choose from. And in case you just couldn’t find a subject to your liking, you can ask for a customization.

The nice thing, in fact, is that the designs can be customized and declined on different supports such as scarves, belts in fabric, Jacket handkerchief and avant-garde jewellery, thus giving life to a unique and exclusive wardrobe.

https://shop.spreadshirt.it/mokika

@mokika_monica_zucchelli

MòKIKA jewelry collection

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(IT). Monica Zucchelli è una di quelle rare persone in cui riescono a convivere, in armonia, passioni e interessi molto diversi tra loro. Monica nasce come Interior Designer, con studio professionale a Lodi e nel Bejing, in Cina. Le sue ricerche sul colore e le forme espressive si sono sviluppate prima nella progettazione di interni e successivamente nella creazione di componenti d’arredo. I suoi grandi pannelli decorativi, infatti, hanno personalizzato non solo prestigiose dimore private, ma anche molti locali pubblici e musei.

Dettagli degli schizzi di Monica Zucchelli

Per sua stessa ammissione, l’ispirazione per i tratti grafici che caratterizzano il suo lavoro vengono dal paesaggio e dall’architettura circostante. Non è insolito che un palazzo come il teatro La Scala di Milano e la sua piazza diventino, nei disegni di Monica, una metafora per raccontare lo sguardo di una donna o che delle silhouette stilizzate finiscano per assomigliare a un vezzoso cappellino.

Ma è nella moda che Monica esprime al massimo la sua creatività. Trasportati dal metallo al tessuto i suoi schizzi hanno preso vita nel brand MòKIKA, che da qualche stagione propone una collezione di magliette, abiti on demand e piccoli accessori dai prezzi molto democratici. Bastano infatti poco più di 20 euro, 35 per le magliette, per sfoggiare un ciondolo a bolla con orecchini coordinati e faccina stilosa all’interno.

Un outfit MòKIKA

La mia difficoltà maggiore, con i regali di Natale, è quella di riuscire a personalizzare il dono, in modo che incontri i gusti e lo stile della persona a cui è destinato. Un dettaglio non secondario se riflettiamo su quanti acquisti non graditi finiscano, ogni anno, sul fondo dell’armadio.

La linea di T-shirt 100% cotone realizzata da Monica non solo è simpatica, originale e irriverente, tre qualità molto appetibili in un’ipotetica lista dei desideri, ma offre, a un costo contenuto, anche un nutrito numero di modelli tra cui scegliere. E nel caso in cui proprio non riusciste a trovare un soggetto di vostro gradimento, è possibile chiedere una personalizzazione.

La linea di gioielli

Monica al lavoro

Il bello, infatti, è che i disegni possono essere customizzati e declinati su supporti diversi come foulard, cinture in tessuto, pochette da giacca e monili avant-garde, dando vita così a un guardaroba unico e decisamente esclusivo.

https://shop.spreadshirt.it/mokika

@mokika_monica_zucchelli

ORIGABS: hot Christmas gifts

(EN). Origami is an ancient Japanese art that transforms simple sheets into real sculptures. Fold after fold the paper takes the now forms of a heron now of an elephant, in a kaleidoscopic game of interweaving and overlaps. During the Eighties this technique has influenced both the world of design and fashion, Japanese designers such as Yohji Yamamoto, but also the Italian Gianfranco Ferré, have been able to decline with great mastery this unusual form of packaging To the most varied types of garments, creating real works of art in fabric.

Gabs is a brand based in Florence that comes from the intuition of Franco Gabbrielli. Since the years 2000, Franco, who comes from a long family tradition, his father had created the leather brand Beghé, develops a new idea of a modular bag, that is able to transform itself according to the needs of the consumer.

Last October I had the pleasure to attend the launch event of the capsule collection Origabs, consisting of three models, two bags and a wallet, declined in four colors, platinum, red, rifle barrel and obsidian. With Christmas at the gates and the marathon of gifts to the starting blocks, I was hoping to find some interesting inspiration that took me away from the embarrassment of compulsively buying beauty-kits by Estée Lauder.

Me at Origabs launch party

Thanks to Gabs this year, my closest friends, will receive a transformable accessory as a gift. The only dilemma will be identifying the model most suited to the needs of each. Yoko, a flat bag with two handles, is in my opinion ideal for those who travel a lot, for pleasure or business. The cuts of the skin allow not only to fold it to the accordion and to put it in the suitcase minimizing the overall dimensions, but also to compose it in always different shapes. A series of buttons in fact allows you to transform it into a vase, in a trunk or in a simple envelope.

Yoko Bag

 

Mitsuko, however, is the perfect solution for those who prefer a small bag that lends itself to be both an evening clutch and, if necessary, a beauty-case. From flat clutch thanks to the usual game of cuts and buttons can easily become a vase or a parallelepiped.

Hanako, the wallet, is the passepartout solution to give to the less close friends and to the clients. It is capacious without being excessively large, measuring about 20 cm, it is equipped with zip and divided into internal compartments and coin pocket. The low cost and the quality of the materials make it the ideal gift to impress without spending a fortune.

www.gabs.it

@gabs.official

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(IT). L’origami è un’antica arte giapponese che trasforma semplici fogli in vere e proprie sculture. Piega dopo piega la carta prende le forme ora di un airone ora di un elefante, in un caleidoscopico gioco di intrecci e sovrapposizioni. Nel corso degli anni Ottanta questa tecnica ha influenzato sia il mondo del design che quello della  moda, stilisti giapponesi come Yohji Yamamoto, ma anche l’italianissimo Gianfranco Ferré, hanno saputo declinare con grande maestria questa insolita forma di packaging ai più svariati tipi di indumenti, realizzando vere  e proprie opere d’arte in stoffa.

Vetrofania di Camilla Falsini per Gabs

Gabs è un marchio fiorentino che nasce dall’intuizione di Franco Gabbrielli. A partire dagli anni 2000 Franco, figlio d’arte, il padre a sua volta aveva  dato vita al brand di pelletteria Beghé, sviluppa una nuova idea di borsa modulabile, capace cioè di trasformarsi in base alle esigenze del consumatore.

Lo scorso Ottobre ho avuto il piacere di partecipare all’evento di lancio della capsule collection Origabs, composta da tre modelli, due borse e un portafogli, declinati in quattro colori, platino, rosso, canna di fucile e ossidiana.  Con il Natale alle porte e la maratona dei regali ai blocchi di partenza, speravo di trovare qualche spunto interessante che mi togliesse dall’imbarazzo di acquistare compulsivamente kit beauty di Estée Lauder.

Camilla Falsini reinterpreta gli origami per Gabs

E così quest’anno le mie amiche più strette riceveranno in dono un accessorio trasformabile. L’unico dilemma sarà individuare il modello più adatto alle esigenze di ciascuna. Yoko, una borsa piatta a due manici, è a mio avviso l’ideale per chi viaggia molto, per piacere o affari. I tagli della pelle permettono non solo di piegarla a fisarmonica e di riporla in valigia riducendo al minimo l’ingombro, ma anche di comporla in forme sempre diverse. Una serie di bottoni infatti consente di trasformarla in un vaso, in un bauletto o in una semplice busta.

Borsa Yoko

Mitsuko, invece, è la soluzione perfetta per chi preferisce una borsa piccola che si presta ad essere sia una pochette da sera che, all’occorrenza, un beauty. Da pochette piatta grazie al solito gioco di tagli e bottoni può diventare facilmente un vaso o in un parallelepipedo.

Il modello Mistuko

Hanako, il portafogli, è invece la soluzione passepartout da regalare agli amici meno stretti e ai clienti. È capiente senza essere eccessivamente grande, misura circa 20 cm, è dotato di zip e diviso in scomparti interni e tasca portamonete. Il costo contenuto e la qualità dei materiali ne fanno il regalo ideale per stupire senza spendere una fortuna.

www.gabs.it

@gabs.official

Hanako

Looking AWAY

There is a place in the north of Sweden where the nights are dark, long and freezing. During winter, the sun barely rises and the darkness wraps up everything. But there are days when the sun never sets, it arrives at the edge of the horizon and it remains there for an indefinite time. Hard to say whether it is day or night, the light of the Northern Lights eluminate everything and the stars sparkle vividly in the sky. This place is Lapland, a strip of land where the balances are delicate and the nature is so majestic and at the same time fragile.

EOE was born on a bright and snowy spring day in 2010, during a snowmobile ride in the small village of Ammarnäs, a handful of houses between the ice and the snows. The beauty of the place strikes Erik and Emila, the founders, with force. How not to be breathless in front of the rarefied colors, in the light that floods the landscape and the sharp line of crevasses and mountains. The horizon seems endless, the time, the conventional one made of hours and minutes, suddenly disappears. Earth and sky seem to melt.

EOE Spectacles

Erik and Emilia take inspiration from what surrounds them and who love them most. Together they draw a collection of spectacles that combines the Nordic design, made of clean and essential lines, with respect for the environment. Each piece is inspired by the surrounding nature, it is simple but with a strong visual impact, the shapes are precise, sharp, minimal, at times sparse. Impossible not to be fascinated. Completely biodegradable and recyclable materials.

In a few years they become the leading brand in northern Europe in the production of 100% sustainable eyewear, in 2019 they prepare for a new record: re-use the scrap acetate to create new frames. Their plan is simple and ambitious: to minimize the environmental impact and preserve that enchanted land called Lapland.

 

TALKING WITH ERIK & EMILIA…

EOE borns in an unusual way, what is the unexpected? 

The combination Swedish Lapland meets eyewear I would say. We use materials never been used in eyewear before, like reindeer antlers and small pieces of birch together with Swedish recycled steel.

In 2010 you started the first collection in the World of sustainable eyewear. A visionary concept. Can you tell me what moved you?

EOE was born on a bright and snowy spring day during a snowmobile ride in the small village of Ammarnäs in Swedish Lapland. The crisp air and the scenery over the snow covered mountains really moved us. We created a collection of eyewear that combined the elegance and simplicity of Scandinavian design with the barren beauty of the nature in Swedish Lapland. The heritage from the Swedish north is reflected both in the names and colors of the eyewear, not least in the details and materials brought from the wild and beautiful nature. And from there the inspiration and vision has just become clearer.

Sunglasses and opticals are a tough battlefield. Giant players, well established labels, blazoned foes… I dare say it’s also very difficult to create something really new, due to kind of product, functionality and small sizes. Why did you choose the hardest path?

I would say that the best thing when starting a new brand is to know nothing about the industry (laugh)! We didn’t understand how huge the giant players were or how exact a pair of eyewear must be when making the drawings, which actually was good. It kept us open minded and creative in the design, which made us stand out.

Have you ever thought it wasn’t a good idea?

Yes several times . One must remember that being an entrepreneur and running a business is not always easy, and since we started in an industry that we didn’t have any knowledge about, we often found ourselves trying to overcome obstacles we had no idea how to solve. From the start me and Erik made some of the drawings ourselves and the fitting wasn’t always the best when the glasses arrived, so after employing our designer we definitely had less of a headache (laugh).

Let’s talk about the collection. EOE concept is obviously something different, functionality and glam coexist, you could be the “Prada of eyewear”… Unluckily sometimes being so far beyond can ruin but help. What about you?

Yes I understand your point, and I remember in the beginning when no one really cared about us telling them about our sustainable collection, people were used to buying eco grocery but not when it came to eyewear. But I really feel that that has changed. People have knowledge and interest in the climate change today, so they are more eager to learn more about what we can do in the future and how you can help by buying from brands with transparency.

I love the way you mixed together Scandinavian heritage, geometric forms, natural vibes and imagination, the past and something futuristic. It’s a risk but you have been able to balance it as best. What is the formula?

The biggest part is that we always go back to our roots, our heritage and the nature up north to find inspiration. And we combine that with the classic Scandinavian clean forms and simplicity. But I would say that the formula is that we never loose our self and what we believe in.

Can you explain me your creative process?

The crew always goes to Lapland, just to “smell the nature” and we start brainstorming. It can be a certain light, stones or just a sound. We also go to fashion shows since it’s important for us to see which way the fashion industry is taking. Then we try to find materials that goes together with idea we are working on. Then we start with the shapes and colors.

How long does it take to create a pair of glasses?

Making eyewear takes over 100 steps! And when you add the drawings, finding inspiration, making photoshoots I would say it takes about a year to create a pair of glasses.

Let’s talk about the new collection. What is about?

Our inspiration is always from the North, since its a never ending source of inspiration. Just imagine the nothern lights, snow and fresh air. So this time our collection is inspired by the small villages here in Lapland, it can be a rimless clean frame designed after a small village that has an famous icy lake in the middle of the village…

Any prevalent theme or material?

Yes materials are always close to heart. We use acetate without fthaltes, which is 100% biodegradable. But also steel which is recycled.

Plans for the future?

We are actually working on a totally word unique new material. Our recycling project where we collect eyewear from stores (people leave their old,brokens frames) and turn them into a new world unique material. 100% closing the loop.

The last thing you do before going to bed…

I always have a cup of warm water with magnesium in it, makes be relaxed before sleeping.

And the first thought when you wake up…

Wonder how it comes that an 2-year old can be so alert at 5am every morning?

www.eoe-eyewear.com

@eoeeyewear

 

A UNIQUE style

(EN). On the one hand the aesthetics of simplicity, made of sharp silhouette and linear shapes, on the other the aesthetics of elegance, with few prints and a lot of color well calibrated. Roberto Musso, a Milanese designer, is a certainty in a world, that of fashion, subject to swirling changes of style.

Calm, gentle, deeply in love with his work, he does not belong to the generation of Millennials, who grew up in Instagram and 2.0, but speaks their language. Certainly his elegant approach is very far from the many style bowel howlers bouncing from Social Networks to the streets, but the wise and carefree use of blocks of color, the abstract motifs and the succession of lines now thin now thicker, give to his fashion a light touch.

Roberto Musso and jewel designer Giulia Colussi

 

His woman is sparkling, modern, original without being extravagant. Besides Roberto has made the balance a philosophy of life. Her style dresses more than undress and makes no concessions to the male wardrobe. Weights, cuts, volumes and fabrics are those of the Italian tailoring tradition, feminine and daring without ever being excessive.

The jackets follow the figure without forcing it, the trousers fall soft, the skirts sway without marking the hips and the clothes glide on the body until almost disappearing. Roberto prefers to reveal more than show, the neckings are never too deep, the lengths never too short. The only exception allowed is the chromatic, orange, pink, green, yellow and flou shades to amaze.

An iconic trench, Roberto Musso Unique Edition SS2019

Rigidity and softness give shape to portable but never trivial garments. The colors define the visual rhythm of each model, while the few abstract strokes and the intertwined belts balance the proportions. The designer remains true to himself in the new line Unique Edition, presented last winter and destined to have an increasing weight, while the label “Roberto Musso” will be declined with a view of capsule collection. 

If the winter collection has given us beautiful coats with a vaguely oriental flavour, the summer is a tribute to the skirt. Circle and flared models, strictly Midi, with charming details such as small tails and overlays of lines or metallic wires to illuminate the folds. The trousers, when they are there, remember more than the culottes, are ample, fluid, embrace the body without forcing it. The outerwear are yes screwed and maybe with important rever, but thanks to the cracks do not tighten.

Few, very few concessions to accessories. They peep the belts, which in the structure resemble the Japanese Obi, the essential jewels, made in collaboration with the designer Giulia Colussi, and the low sandals of colored tassel.

 

TALKING WITH ROBERTO…

Good Morning Roberto, I thank you for the time you decided to devote me. Talk to me a little about Unique Edition, your project…
Roberto Musso Unique Edition is the line to which my team and I are working and which we launched last winter. In my projects it is destined to take on an ever greater relevance, while Roberto Musso will remain as a label of capsule collections especially for the foreign market. What prompted me to diversify the collections was the desire to tell a different woman, original, modern, not bridled in the clichés of fashion. The leaders of Unique, as the name suggests, shun the approval, these are pieces with a strong visual impact where there is a stylistic research not only on the forms, but also in the use of colors and materials.

Unique, as its name implies, is a hymn to individuality. All your collections categorically reject the diktat of style. Did you have any problems with your choice?
No, I have a very specific and demanding target. Mine is a niche product, which works on contained numbers. All my staff embraces my stylistic philosophy, my models are developed to meet the needs of a selected clientele and in search of garments that become expression of a very personal and uncommercial style.

Today, accomplices of social networks, we witness a massive approval especially in the look, the younger generations are the hardest hit and seem devoid of individuality. At the beginning of ‘ 900 we have witnessed the phenomenon of the “reproducibility” of the work of art, today we can apply the same fashionable concept. When is it dangerous to adapt to a unique standard?
Every technological innovation has its pros and cons. While the ease of access and usability of Social Media has allowed a greater exchange of information and a sharing of thoughts and ideas, on the other hand has favoured the spread of the approximation in almost all fields. I am rather sceptical about the so-called “influencer“, it is mostly people who have little or no knowledge of fashion, its history, its people, what pushes them is some vague passion but limited skills. Before the dream of young people was to go on TV, today to be someone on Instagram. It is a much simpler, immediate dream that requires a minimal effort. The distorted data of follower, like and engagement then do not allow us to make precise estimates on the real impact of this phenomenon if not when we see the distortions of style bouncing from a post in everyday life. I would like young people to have models a little less ephemeran and superficial to inspire, rediscover the pleasure of culture, knowledge, curiosity to know how something is done, the desire to touch a cloth or admire a beautiful painting.

What’s your relationship with social networks?
I use them especially for work, then I stay old-fashioned regarding personal relationships.

Let’s leave the virtual world and talk a little bit about your SS2019 collection. You have chosen as the guiding thread the skirt, a garment often sacrificed in the name of practicality. Is your invitation to rediscover femininity?
I love skirts, so feminine and modern. Unfortunately they are often sacrificed in the name of practicality. With Unique I tried to develop skirts of design but very portable. A special recognition goes to my model, a former engineer, is she who manages to transform my ideas of cuts and overlays into something wearable!

Is there a color that can absolutely not be lacking in the closet?
The blue, I love it, even if it sells very little.

And an accessory?
I do not like the accessories very much, I prefer a rigorous fashion, clean, without too much frills. For the SS 2019 I made two concessions, to Giulia Colussi, a friend of a lifetime, because her jewels are very close to my style; And to the belts, twisted or plissetted, a tribute to Yohji Yamamoto, it is thanks to him that I approached the design.

What do you do when you don’t draw?
Unfortunately I have very little time. When I do not design I deal with all the practical and bureaucratic issues of the company.

A female figure who could embody the Unique spirit…
I do not have an ideal woman, for me a garment is an object that must dress well. In my philosophy every model is destined to a unique woman, able to wear it and interpret it. Both, dress and person, complement each other.

What can you not do without?
Of the cellphone, inside there is my whole life, working speaking. If I were to lose him I would be a dead man (laughs).

What do you want to get rid of?
Social Media! (laughs)

http://uniqueedition.it/

@uniqueedition.official

 

 

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(IT). Da un lato l’estetica della semplicità, fatta di silhouette asciutte e forme lineari, dall’altra l’estetica dell’eleganza, con poche stampe e tanto colore ben calibrati. Roberto Musso, stilista milanese, è una certezza in un mondo, quello della moda, soggetto a vorticosi cambi di stile.

Pacato, gentile, profondamente innamorato del suo lavoro, non appartiene alla generazione dei Millennials, cresciuti a Instagram e 2.0, ma parla il loro linguaggio. Certo il suo approccio elegante è ben distante dai tanti strafalcioni di stile che rimbalzano dai Social Network alle strade, ma l’uso sapiente e spensierato di blocchi di colore, i motivi astratti e il susseguirsi di righe ora sottili ora più spesse, regalano alla sua moda un tocco leggero.

La sua donna è frizzante, moderna, originale senza essere stravagante. Del resto Roberto ha fatto dell’equilibrio una filosofia di vita. Il suo stile veste più che svestire e non fa concessioni al guardaroba maschile. Pesi, tagli, volumi e tessuti sono quelli della tradizione sartoriale italiana, femminili e audaci senza mai essere eccessivi.

Le giacche seguono la figura senza costringerla, i pantaloni cadono morbidi, la gonne ondeggiano senza segnare i fianchi e gli abiti scivolano sul corpo fino quasi a scomparire. Roberto preferisce svelare più che mostrare, le scollature non sono mai troppo profonde, le lunghezze mai troppo corte. L’unica eccezione ammessa è quella cromatica, arancio, rosa, verde, giallo e tinte flou per stupire.

Rigidità e morbidezza danno forma a capi portabili ma mai banali. I colori definiscono il ritmo visivo di ciascun modello, mentre i pochi tratti astratti e le cinture intrecciate bilanciano le proporzioni. Lo stilista rimane fedele a se stesso anche nella nuova linea Unique Edition, presentata lo scorso inverno e destinata ad avere un peso sempre maggiore, mentre la label “Roberto Musso” verrà declinata in un’ottica di capsule collection.

Se la collezione invernale ci ha regalato splendidi cappotti dal sapore vagamente orientale, quella estiva è un omaggio alla gonna. A ruota e a mezza ruota, rigorosamente Midi, con dettagli vezzosi come piccole code e sovrapposizioni di righe o fili metallici a illuminarne le pieghe. I pantaloni, quando ci sono, ricordano più delle gonne-pantalone, sono ampi, fluidi, abbracciano il corpo senza forzarlo. I capispalla sono sì avvitati e magari con i rever importanti, ma grazie agli spacchi non stringono.

Poche, pochissime concessioni agli accessori. Fanno capolino le cinture, che nella struttura ricordano gli Obi giapponesi, i gioielli essenziali, realizzati in collaborazione con la designer Giulia Colussi, e i sandali bassi di nappa colorata.

PARLANDO CON ROBERTO…

Buongiorno Roberto, ti ringrazio per il tempo che hai deciso di dedicarmi. Parlami un po’ di Unique Edition, il tuo progetto…
Unique Edition Roberto Musso è la linea a cui io e il mio team stiamo lavorando e che abbiamo lanciato lo scorso inverno. Nei miei progetti è destinata ad assumere una rilevanza sempre maggiore, mentre Roberto Musso rimarrà come label di capsule collection soprattutto per il mercato estero. Quello che mi ha spinto a diversificare le collezioni è stato il desiderio di raccontare una donna diversa, originale, moderna, non imbrigliata nei cliché della moda. I capi di Unique, come suggerisce il nome, rifuggono dall’omologazione, si tratta di pezzi dal forte impatto visivo dove c’è una ricerca stilistica non solo sulle forme, ma anche nell’uso dei colori e dei materiali.

Unique, come suggerisce il nome, è un inno all’individualità. Tutte le tue collezioni rifiutano categoricamente l’omologazione ai diktat dello stile. Ti ha creato problemi questa tua scelta?
No, ho un target ben preciso e molto esigente. Il mio è un prodotto di nicchia, che lavora su numeri contenuti. Tutto il mio staff abbraccia la mia filosofia stilistica, i miei modelli sono sviluppati per rispondere alle esigenze di una clientela selezionata e alla ricerca di capi che diventino espressione di uno stile molto personale e poco commerciale.

Oggi, complici i social network, assistiamo a una massiccia omologazione soprattutto nel look, le generazioni più giovani sono le più colpite e paiono prive di individualità. Agli inizi del ’900 abbiamo assistito al fenomeno della “riproducibilità” dell’opera d’arte, oggi possiamo applicare lo stesso concetto alla moda. Quando è pericoloso questo adeguarsi a uno standard univoco?
Ogni innovazione tecnologica ha i suoi pro e i suoi contro. Se da un lato la facilità di accesso e la fruibilità dei Social Media ha consentito un maggior scambio di informazioni e una condivisione di pensieri e idee, dall’altro ha favorito il dilagare dell’approssimazione in un po’ tutti i campi. Sono piuttosto scettico riguardo ai così detti “influencer”, si tratta per lo più di persone che hanno poca o nulla conoscenza della moda, della sua storia, delle sue persone, quello che li spinge è una qualche vaga passione ma competenze limitate. Prima il sogno dei giovani era di andare in TV, oggi di essere qualcuno su Instagram. È un sogno molto più semplice, immediato, che richiede uno sforzo minimo. I dati falsati di follower, like ed engagement poi non ci consentono di fare stime precise sul reale impatto di questo fenomeno se non quando vediamo le distorsioni dello stile rimbalzare da un post nella quotidianità. Io vorrei che i giovani avessero modelli un po’ meno effimeri e superficiali a cui ispirarsi, che riscoprissero il piacere della cultura, della conoscenza, la curiosità di sapere come è fatta una cosa, il desiderio di toccare con mano una stoffa o ammirare un bel dipinto.

Che rapporto hai con i social network?
Li uso soprattutto per lavoro, poi rimango vecchio stile per quanto riguarda le relazioni personali.

Lasciamo il mondo virtuale e parliamo un po’ della tua collezione SS2019. Hai scelto come filo conduttore la gonna, un capo spesso sacrificato in nome della praticità. Il tuo è un invito a riscoprire la femminilità?
Adoro le gonne, così femminili e moderne. Purtroppo spesso vengono sacrificate in nome della praticità. Con Unique ho cercato di sviluppare gonne di design ma portabilissime. Un riconoscimento particolare va alla mia modellista, un ex ingegnere, è lei che riesce a trasformare le mie idee di tagli e sovrapposizioni in qualcosa di indossabile!

C’è un colore che non può assolutamente mancare nell’armadio?
Il blu, lo adoro, anche se si vende pochissimo.

E un accessorio?
Non amo molto gli accessori, preferisco una moda rigorosa, pulita, senza troppi fronzoli. Per la SS 2019 ho fatto due concessioni, a Giulia Colussi, amica da una vita, perché i suoi gioielli sono molto vicini al mio stile; e alle cinture, intrecciate o plissettate, un omaggio a Yohji Yamamoto, è grazie a lui che mi sono avvicinato al design.

Cosa fai quando non disegni?
Purtroppo ho pochissimo tempo. Quando non disegno mi occupo di tutte le questioni pratiche e burocratiche dell’azienda.

Una figura femminile che potrebbe incarnare lo spirito Unique…
Non ho una donna ideale, per me un capo è un oggetto che deve vestire bene. Nella mia filosofia ogni modello è destinato a una donna unica, capace di indossarlo e interpretarlo. Entrambi, abito e persona, si completano a vicenda.

Di cosa non puoi fare a meno?
Del cellulare, dentro c’è tutta la mia vita, lavorativamente parlando. Se dovessi perderlo sarei un uomo morto (ride).

E di cosa invece vorresti liberarti?
Dei Social Media! (ride)

Fifty shades of STYLE

(EN). She usually wears black: basic t-shirt, comfortable trousers and white Adidas. Yet this petite woman, raised between Asia and New Zealand, goes straight to the point. From 2015 shows her collections in New York, a real pity for the Milan Fashion Week, and in spite of the defenseless air, she is a real lion. Claudia Li is so determined that even Forbes noticed her and put her in an elitist list of thirty young promises, strictly under 30, of art and style.

AW 2018 Claudia Li Collection

 

Her past as a “citizen of the world” is clearly visible in her fashion, which blends structured forms of oriental taste with soft and feminine volumes, closer to a western taste. Besides she herself admits that her past and art have greatly influenced her style. Her approach to prêt-à-porter is playful, with an interesting color palette that is renewed with unprecedented shades of season in season, but at the same time rigorous. It is not surprising to see soft draperies that embrace structured fabrics and unusual combinations of materials, in a kind of Yin-Yang style.

Passionate about painting admits to prefer that the materials express themselves, rather than forcing them into cuts and dimensions stranger to them. The references to nature, dashed here and there, are never decorative elements used in the traditional sense, but rather evoke a concept of freedom. The prints become a graphic sign wisely calibrated, with the aim of arousing emotions rather than postponing to something concrete.

A graduate of Parsons, a diligent pupil of JW Anderson, she has showed to know how to work denim like silk, creating draperies that bend over themselves in an intricate maze of Origami. She reinvented the under-jacket thanks to the “sculpture-sleeves”, with a profusion of cuts reminiscent of petals of lilies. She reinterpreted the Obi, the traditional Japanese belt, in fury of bows and knots. She modeled the skin as if it was woven, drawing unpublished geometries; and added such subtle fringes as to look like the feathers of an exotic bird.

The collars seem corollas, the shoulders resemble the armor of the Samurai, the proportions are experimental, but the fit is designed for everyday life. With Claudia Li the conceptual fashion of Yohji Yamamoto becomes concrete. It is difficult to say that Anderson’s influence and the experience at Haus of Gaga with Maxwell have determined this awareness, certainly a teaching has been applied rigorously by Claudia: to be kind and grateful to others. All the time.

www.claudia-li.com

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(IT). Di solito veste di nero: t-shirt basica, pantaloni comodi e Adidas bianche. Eppure questa donna minuta, cresciuta tra l’Asia e la Nuova Zelanda, va dritta al punto. Dal 2015 sfila a New York, un vero peccato per la settimana della moda milanese, e a dispetto dell’aria indifesa è un vero e proprio leone. Claudia Li è così determinata che persino Forbes si è accorto di lei e l’ha inserita in un’elitaria lista di trenta giovani promesse, rigorosamente under 30, dell’arte e dello stile.

Un outfit della collezione AW 2018/19

I suoi trascorsi da cittadina del Mondo sono ben visibili nella sua moda, che fonde forme strutturate dal sapore orientale con volumi morbidi e femminili dal gusto occidentale. Del resto lei stessa ammette che il suo passato e l’arte hanno influenzato molto il suo stile. Il suo approccio al prêt-à-porter è giocoso, con una palette cromatica interessante che si rinnova con sfumature inedite di stagione in stagione, ma allo stesso tempo rigoroso. Non stupisce vedere drappeggi morbidi che abbracciano tessuti strutturati e combinazioni insolite di materiali, in una sorta di Yin-Yang dello stile.

Appassionata di pittura ammette di preferire che i materiali esprimano se stessi, piuttosto che forzarli in tagli e dimensioni a loro estranei. I rimandi alla natura, tratteggiati qui e lì, non sono mai elementi decorativi usati in senso tradizionale, ma evocano piuttosto un concetto di libertà. Le stampe diventano così un segno grafico calibrato sapientemente, con lo scopo di suscitare emozioni piuttosto che rimandare a qualcosa di concreto.

Laureata alla Parsons, allieva diligente di JW Anderson, ha dimostrato di sapere lavorare il denim come fosse seta, creando drappeggi che si piegano su se stessi in un intricato labirinto di origami. Ha reinventato i sottogiacca grazie alle maniche-scultura, con una profusione di tagli che ricordano petali di gigli. Ha reinterpreatto l’Obi, la tradizionale cintura giapponese, a furia di fiocchi e nodi. Ha modellato la pelle come fosse tessuto, disegnando inedite geometrie, e aggiunto frange tanto sottili da sembrare le piume di un uccello esotico.

I colli paiono corolle, le spalle ricordano le armature dei Samurai, le proporzioni sono sperimentali, ma la vestibilità è pensata per la vita di tutti i giorni. Con Claudia Li la moda concettuale di Yohji Yamamoto diventa concreta. Difficile dire quanto l’influenza di Anderson e l’esperienza presso Haus of Gaga con Maxwell abbiano determinato questa consapevolezza, di certo un insegnamento è stato applicato con rigore da Claudia: essere gentili e riconoscenti con il prossimo. Sempre.

www.claudia-li.com

Among the STARS

(EN). It is a fairy casket nestled among the Roman hills. An old garage made of exposed bricks and turned into a Craftsman’s workshop. It is here that Maila Ferlisi and Rachele Mancini create their bags, small works of art handcrafted and embroidered on loom. In the era of fast-fashion, where everything lasts the space of a post, the story of Maila and Rachel is a hymn to beauty, patience and knowing how to do.

In 2013 both attend the Koefia Academy in Rome, the tune is immediate and from that happy encounter comes Hibourama, the fusion of their names with the French word “hibou”, owl. A line of “jewel-bags” made in Italy, unique pieces but very democratic in price, where the two designers experience not only the ability of Maila in embroidery, but also modern techniques such as 3D printing or the texture of gold leaf.

Rebel Icon AW 2018/19 collection

Hibourama was born a bit for passion and a bit by chance, thanks to an handicraft market where Maila and Rachele have presented, almost for fun, a fifty pochette. The bags, in leather and zip, have been a huge success, so as to push them to concretize their ideas in a brand.

The phases of the work are articulated, you proceed in small steps, without haste. It starts from a prototype, which is positioned on the loom to decide where to intervene, only after having established shape, size and color of embroidery is sent to production. Around Hibourama it rotates a small galaxy of skilled craftsmen, especially of the Neapolitan district, which, with expertise, transform the ideas of Maila and Rachele into highly demanded models even abroad.

The new winter collection, Rebel Icon, turns to definite lines and intense colors, in addition to the classic black is an explosion of green, turquoise, mauve and reds that fade in intense violet. The inspiration is the disco music of the Seventies, an era of great cultural and social turmoil punctuated by the catchy notes of ABBA and lulled by the powerful voice of Donna Summer, the treble of Mick Jagger of the Rolling Stones and the afro-pop rhythms of the Jackson 5.

A less romantic and more aggressive approach, where attention and care for details are not less. Once again the applications are the real protagonists. The precious stones draw the outlines of the models Charlotte and Simone Drop Rapsody, a shower of drops of glass and feathers wets the soft and enveloping shapes of the Clio bucket, the over embroideries of Ginko’s flowers embellish the draws of the Ginko Queen line, while the fringes and lace trimmings are the distinctive feature of the Coachella Charlot.

Definitely new is also the capsule collection Cosmos. Maila and Rachel were inspired by the zodiac to make it happen. The 12 signs are in fact embroidered over a network of pearls and the call to the world of Astrology and stars is also evident in the choice of colours, with a palette modulated on the four elements: air, water, earth and fire.

www.hibouramabag.com

Cosmos collection

 

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(IT). È uno scrigno fatato incastonato tra i colli romani. Un vecchio garage fatto di mattoni a vista e trasformato in un laboratorio artigiano. È qui che Maila Ferlisi e Rachele Mancini creano le loro borse, piccole opere d’arte realizzate artigianalmente e ricamate su telaio. Nell’epoca del fast-fashion, dove tutto dura lo spazio di un post, la storia di Maila e Rachele è un inno alla bellezza, alla pazienza e al saper fare.

Nel 2013 entrambe frequentano l’Accademia Koefia di Roma, la sintonia è immediata e da quel felice incontro nasce Hibourama, la fusione dei loro nomi con la parola francese “Hibou”, gufo. Una linea di borse gioiello made in Italy, pezzi unici ma molto democratici nel prezzo, dove le due designer sperimentano non solo l’abilità di Maila nel ricamo, ma anche tecniche moderne come la stampa 3D o la texture a foglia d’oro.

Un modello grintoso della collezione Rebel Icon AW 2018/19

Hibourama è nata un po’ per passione e un po’ per caso, galeotto un mercatino dell’artigianato dove Maila e Rachele hanno presentato, quasi per gioco, una cinquantina di pochette. Le bustine in pelle e zip hanno riscosso un successo enorme, tanto da spingerle a concretizzare le loro idee in un marchio.

Le fasi della lavorazione sono articolate, si procede a piccoli passi, senza fretta. Si parte da un prototipo, che viene posizionato sul telaio per decidere dove intervenire, solo dopo avere stabilito forma, dimensione e colore dei ricami lo si manda in produzione. Intorno a Hibourama ruota infatti una piccola galassia di artigiani specializzati, soprattutto del distretto campano, che con perizia trasformano le idee di Maila e Rachele in modelli richiestissimi anche all’estero.

La nuova collezione invernale, Rebel Icon, vira decisa verso linee definite e colori intensi, oltre al classico nero è un esplosione di verde, turchese, malva e rossi che sfumano nel viola intenso. L’ispirazione è la disco music degli anni Settanta, un’epoca di grandi fermenti culturali e sociali scanditi dalle note orecchiabili degli ABBA e cullati dalla voce potente di Donna Summer, dagli acuti di Mick Jagger dei Rolling Stones e dai ritmi afro-pop dei Jackson 5.

Un approccio meno romantico e più grintoso, dove non viene meno però l’attenzione e la cura per i dettagli. Ancora una volta sono le applicazioni le vere protagoniste. Le pietre dure disegnano i contorni dei modelli Charlotte e Simone Drop Rapsody, una pioggia di gocce di vetro e piume bagna le forme morbide e avvolgenti del secchiello Clio, i ricami over di fiori di Ginko impreziosiscono le patte della linea Ginko Queen, mentre le frange e le passamanerie in pizzo sono il tratto distintivo della Charlot Coachella.

Decisamente nuova è anche la capsule collection Cosmos. Per realizzarla Maila e Rachele si sono ispirate allo zodiaco. I 12 segni sono infatti ricamati sopra una rete di perle e il richiamo al mondo dell’astrologia e delle stelle è evidente anche nella scelta cromatica, con una palette modulata sui quattro elementi: aria, acqua, terra e fuoco.

www.hibouramabag.com

Cosmos Capsule Collection

Bold ATTITUDE

(EN.) Adelaide Carta, Class 1988, is Sardinian. Of its land, harsh and rough, but capable of concealing angles of beauty rich in a vivid and luxuriant nature, preserves the stubborn and volitive character. Stubborn as the nature of his island, able to survive long and torrid summers. Volitional as the winds laden with perfumes that incessant breathe, stroking the coasts.

Balanced as only a Libra knows how to be, was born on 9 October, her sign has taken the visceral love for beauty, a strong sensibility and the perennial pursuit of harmony. In 2014, tired of the equation for which a product of tendency can not be also ethical, she creates a line of luxury scarves, stealing the shining colors and the tapestries of Sardinia and using bio materials to “kilometre 0”.

A stunning model by Adelaide

The feedback is immediate, its way is marked. She decides to register her brand and focus on leather goods. From there, collection after collection, creates increasingly elaborate models, where stylistic research blends with the attention to the environment and nature. Also the materials and the combinations are made gradually more daring, cork and Alcantara, faux-leather and bold colors.

Unreleased and kaleidoscopic mixes, artisan plots recreated through special workings and combinations of coloured blocks, optical illusions able to transform vegetable tissues into exotic skins. Within a few years the certifications of Peta and LAV come to ensure that her bags are beautiful, but above all good.

In June 2018 Adelaide is selected for SHOWCASE, the event devised by ICE agency and Altaroma to give visibility to young fashion talents, and gathers the invitation to participate in Helsinki Fashion Week, the first week entirely dedicated to fashion Eco-sustainable and animal-friendly. Her bags with captivating lines and daring combinations do not go unnoticed, Vogue Italia notes her and dedicates a space in the special on the event, follows shots for Marie Claire Australia and Vogue Korea. A seal that crowns a path mostly uphill, tiring but exciting, or maybe just the beginning of a future full of successes…

www.adelaidecarta.com

@adelaidecarta_official

 

A CHAT WITH ADELAIDE…

Good morning Adelaide, talk to me about your project…
Adelaide C. was born in 2014 in Sardinia, from my own green vision on fashion. I always thought it lacked a product that could be ethically correct, and at the same time trendy and cool. I often met ethical products that did not come close to the fashion trends, or found beautiful and fashionable products but that of ethics did not even have the label. For this reason I chose to create my own brand of vegan and eco-friendly handbags and accessories!

Often our idea of sustainable fashion is that of a product that is not attractive, but many emerging designers and brands who have married Green philosophy show us the opposite. What can be done to turn the old paradigm upside down?
Surely this paradigm has already been reversed because we are experiencing many products that do not want to give up eco-sustainability, like our vegan bag, which in addition to founding values, possess a modern design, a precise identity and a style contemporary and fashionable. Moreover, many companies are working to propose to us, designers and producers, skin-looking materials, which, however, derive from vegetable raw materials. We ourselves will introduce a 100% plant material, together with our cork, already in a Limited Edition of next winter!

What do you think helped to associate the eco-friendly style with a product of little or no appeal?
I believe that until recently the concept of ethics and eco-sustainability belonged only to a type of consumers very wise and not prone to superficiality, that sometimes fashion represents. It is difficult to find accessories or clothes absolutely fashionable and also eco-sustainable. For this reason, the gap between wise and forward-looking consumer, and the fashionable one, was really broad a short time ago. However, the human being is evolving, and along with him, the market also follows the same evolution by proposing more and more products that do not renounce these values to stay on the catwalks. Surely, there is a tendency, by many ridden in a hypocritical way, that sees a good part of today’s proposals underlined by values of sustainability. Let the consumer choose which of these products really has a green heart, or the only green that it calls is that of the banknotes that it produces. However, having at heart the fate of our planet, I can only rejoice to see that most of the roads that modern companies are going through are heading towards eco-sustainable systems, ideas and productions.

When did you start to get interested in sustainable fashion?
I grew up with a mother who taught me as a child the importance of preserving our eco system, the importance of loving it, and curing it, without observing short-term goals, but raising my head in order to see many steps forward to me. She taught me the importance of our daily choices, which become the future we create. The choice of a sustainable fashion coincided with my choice to make fashion professionally. It was a need, more than a decision! Would not have had the same emotional charge otherwise.

Have your Sardinian roots helped to develop your green vision?
Surely yes, because I started to draw my bags enriching them with raw materials of my territory, like cork and Sardinian sheep’s wool, obtained through the natural shearing of grazing sheep, then not bred for wool. I definitely wanted my bags to talk about me and to tell something new.

Let’s talk a little bit about your winter collection. What is the central theme? What materials and colors did you choose to use?
The central theme is always the cork, which is introduced with two processes spied in orange and brown and in a special working “pitonata”. The cork-trees are enriched and contrasted by materials with decisive colours that play with each other to create unique shapes and contrasts. It presents two new unpublished models: a mini bag, a pouch/clutch/handbag and shoulder, with many uses, and a maxi bag, daily or travel, which has taken inspiration from the wonderful bags of doctors who have always fascinated me since I was a child.

Some details

How do you usually develop a collection?
There is no fixed rule, but I am inspired sometimes by what I meet on my path, other times by colors or often by materials, as for the FW18/19: samples of materials casually side by face have inspired me instantly and conquered without doubt. From that then start all the other lines and combinations of colors.

I know that in the past you have also made a shoe line, do you think that in the future you could expand the offer of your brand with other products?
We have never made shoes, if not in sketch on request, but we are sure that this will be the next step to face.

Your bags are fun, colorful, stylish and even the price is affordable. Your communication is glamorous, so you are demonstrating that it is possible to make a sustainable fashion that is also trendy. Why are traditional brands so reluctant to admit that another way is possible?
Well, the money god is much more prepared to take a descent rather than an ascent… less struggle and you get there first!

A message that you would like to give readers to be an active part of the change…
I believe that the change that is taking place is the greatest example of hope the world has ever witnessed. We decided to be part of it in an active way, proving that a great product can also be right… The final word is always on the consumer!

 

Adelaide when she’s not working…
She dreams, sometimes she travels, sometimes for real other times with her eyes closed. I love eating, cooking, discovering new flavors. I love being conquered by clothes, accessories or shoes in the windows of the many beautiful shops that fill our cities. I love the news, the breathtaking things, but I also love the simplicity. And then I love beauty in all its forms. When I cannot create it, I simply admire and celebrate it!

A place you’d like to see…
Amazonian forest.

A dream still to be realized…
A house by the sea.

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(IT). Adelaide Carta, classe 1988, è sarda. Della sua terra, aspra e ruvida, ma capace di nascondere angoli di bellezza ricchi di una natura vivida e lussureggiante, conserva il carattere testardo e volitivo. Testarda come la natura della sua isola, in grado di sopravvivere a estati lunghe e torride. Volitiva come i venti carichi di profumi che spirano incessanti accarezzando le coste.

Equilibrata come solo una Bilancia sa esserlo, è nata il 9 Ottobre, del suo segno ha preso l’amore viscerale per il bello, una spiccata sensibilità e la perenne ricerca dell’armonia. Nel 2014, stanca dell’equazione per cui un prodotto di tendenza non può essere anche etico, crea una linea di sciarpe di lusso, rubando i colori fulgidi e gli arazzi della Sardegna e usando materiali bio a kilometro 0.

A petite bag by Adelaide Carta

Il riscontro è immediato, la sua strada è segnata. Decide di registrare il suo marchio e di concentrarsi sulla pelletteria. Da lì, collezione dopo collezione, crea modelli sempre più elaborati, dove la ricerca stilistica si fonde con l’attenzione per l’ambiente e la natura. Anche i materiali e gli accostamenti si fanno via via più arditi, sughero e alcantara, faux-leather e colori sfrontati.

Mix inediti e caleidoscopici, trame artigianali ricreate attraverso lavorazioni particolari e accostamenti di blocchi di colore, illusioni ottiche in grado di trasformare tessuti vegetali in pelli esotiche. Nel giro di pochi anni arrivano le certificazioni di Peta e LAV a garantire che le sue borse sono belle, ma soprattutto buone.

Nel Giugno del 2018 Adelaide viene selezionata per  SHOWCASE, l’evento ideato da ICE Agenzia e Altaroma per dare visibilità ai giovani talenti della moda, e raccoglie l’invito a partecipare alla Helsinki Fashion Week, la prima settimana interamente dedicata alla moda eco-sostenibile e animal-friendly.  Le sue borse dalle linee accattivanti e dagli accostamenti audaci non passano inosservate, Vogue Italia infatti la nota e le dedica uno spazio nello speciale sull’evento, seguono a ruota gli scatti per  Marie Claire Australia e Vogue Korea. Un suggello che corona un percorso per lo più in salita, faticoso ma emozionante, o forse solo l’inizio di un futuro ricco di successi…

www.adelaidecarta.com

@adelaidecarta_official

 

QUATTRO CHIACCHIERE CON ADELAIDE…

Buongiorno Adelaide, parlami un po’ del tuo progetto…
Adelaide C. nasce nel 2014 in Sardegna, dalla mia personale visione green sulla moda. Ho sempre pensato che mancasse un prodotto che potesse essere eticamente corretto, e allo stesso tempo trendy e cool. Spesso incontravo prodotti etici che non si avvicinavano minimamente ai trend della moda, oppure trovavo dei prodotti bellissimi e fashion, ma che di etico non avevano neppure l’etichetta. Per questa ragione ho scelto di creare il mio brand di borse e accessori vegan ed eco-friendly!

Spesso la nostra idea di moda sostenibile è quella di un prodotto poco appetibile, invece molti designer e brand emergenti che hanno sposato la filosofia green ci dimostrano il contrario. Cosa è possibile fare per ribaltare il vecchio paradigma?
Sicuramente questo paradigma è già stato ribaltato perché stiamo conoscendo tanti prodotti che non vogliono più rinunciare all’eco-sostenibilità, come le nostre vegan bag, che oltre ai valori fondanti, posseggono un design moderno, un’identità precisa e uno stile contemporaneo e fashion. Inoltre tante aziende stanno lavorando per proporre a noi, designer e produttori, materiali dall’aspetto pelle che però derivano da materie prime vegetali. Noi stessi introdurremo un materiale vegetale al 100% unito al nostro sughero, già in una Limited Edition del prossimo inverno.

Un modello di Adelaide Carta

Secondo te cosa ha contribuito ad associare lo stile eco-friendly a un prodotto di scarso o nullo appeal?
Credo che fino a poco tempo fa il concetto di etica ed eco-sostenibilità appartenesse solo a una tipologia di consumatori molto saggi e poco inclini alla superficialità che a volte la moda rappresenta. Difficilmente si reperivano degli accessori o degli abiti assolutamente fashion e anche eco-sostenibili. Per questo motivo, il divario tra consumatore saggio e lungimirante, e quello modaiolo, era davvero ampio poco tempo fa. Tuttavia, l’essere umano si sta evolvendo, e anche il mercato segue la medesima evoluzione, proponendo sempre più prodotti che non rinunciano a questi valori per stare sulle passerelle. Sicuramente vi è una tendenza, da molti cavalcata in maniera ipocrita, che vede buona parte delle proposte di oggi sottolineate da valori di sostenibilità. Lasciamo al consumatore scegliere quale tra questi prodotti abbia davvero un cuore green, oppure se l’unico verde che richiama è quello dei soldi. Ad ogni modo, avendo a cuore le sorti del nostro pianeta, posso solo gioire nel constatare che la maggior parte delle strade che le aziende moderne stanno percorrendo si dirigono verso sistemi, idee e produzioni eco-sostenibili.

Quando hai iniziato a interessarti alla moda sostenibile?
Sono cresciuta con una madre che mi ha insegnato fin da piccola l’importanza di preservare il nostro ecosistema, l’importanza di amarlo, e curarlo, senza guardare a obbiettivi a breve termine, ma alzando la testa per poter vedere molti passi avanti a me. Mi ha insegnato l’importanza delle nostre scelte quotidiane, che diventano il futuro che creiamo. La scelta di una moda sostenibile ha coinciso con la mia scelta di fare moda in maniera professionale. È stato un bi-sogno, più che una decisione! Non avrebbe avuto la stessa carica emotiva altrimenti.

Le tue radici sarde hanno contribuito a sviluppare la tua visione green?
Sicuramente si, perché ho iniziato a disegnare le mie borse arricchendole con materie prime del mio territorio, come il sughero e la lana di pecora sarda autoctona, ottenuta attraverso la tosatura naturale delle pecore da pascolo, quindi non allevate per la lana. Volevo senza dubbio che le mie borse parlassero di me e che raccontassero qualcosa di nuovo.

Parliamo un po’ della tua collezione invernale. Qual è il tema centrale? Quali materiali e colori hai scelto di utilizzare?
Il tema centrale è sempre il sughero, che viene introdotto con due lavorazioni spigate in arancio e in marrone e in una lavorazione speciale pitonata. I sugheri sono arricchiti e contrastati da materiali dai colori decisi che giocano tra di loro per creare forme e contrasti unici. Ci sono due nuovi modelli inediti: una mini bag, un marsupio/pochette/handbag e shoulder, dai molti utilizzi, e una maxi bag, giornaliera o da viaggio, che ha preso ispirazione dalle splendide borse dei medici che mi hanno sempre affascinato fin da bambina.

Come sviluppi di solito una collezione?
Non esiste una regola fissa, ma mi lascio ispirare, a volte da ciò che incontro sul mio cammino, altre volte dai colori o spesso dai materiali, come per la FW18/19: campioni di materiali casualmente affiancati mi hanno ispirato istantaneamente e conquistato senza dubbio alcuno. Da quello poi partono tutte le altre linee e abbinamenti di colori.

So che in passato hai realizzato anche una linea di scarpe, pensi che nel futuro potresti ampliare l’offerta del tuo brand con altri prodotti?
Non abbiamo mai realizzato scarpe, se non in bozzetto su richiesta, ma siamo certi che quello sarà il prossimo passo da affrontare.

Le tue borse sono divertenti, colorate, stilose e anche il prezzo è accessibile. La tua comunicazione è glamour, insomma tu sei la dimostrazione che è possibile fare una moda sostenibile che sia anche trendy. Perché i marchi tradizionali sono così restii ad ammettere che un’altra strada è possibile?
Bhé, il “dio denaro” è assai più propenso a intraprendere una discesa piuttosto che una salita…si suda meno e si arriva prima!

Un messaggio che vorresti dare ai lettori affinché siano parte attiva del cambiamento…
Credo che il cambiamento in atto sia il più grande esempio di speranza a cui il mondo abbia mai potuto assistere. Noi abbiamo deciso di farne parte, in maniera attiva, dimostrando che un grande prodotto può essere anche giusto… Al consumatore spetta sempre l’ultima parola!

Adelaide quando non lavora…
Sogna, a volte viaggia realmente per il mondo, altre volte a occhi chiusi. Adoro mangiare, cucinare, scoprire nuovi sapori. Adoro essere conquistata da abiti, accessori o calzature tra le vetrine dei tanti splendidi negozi che riempiono le nostre città. Adoro le novità, le cose mozzafiato, ma amo anche la semplicità. E poi amo la bellezza in ogni sua forma. Quando non la possa creare, mi limito ad ammirarla e a festeggiarla!

Un posto che vorresti vedere…
Foresta amazzonica.

Un sogno ancora da realizzare…
Una casa in riva al mar